En la presente entrevista, Carlos López Orozco habla del Colectivo SEMEFO, un grupo artístico que durante una década (1989-1999) buscó elaborar una propuesta estética a partir de la muerte y su encarnación esencial: el cuerpo. Pedazos de cadáveres, fluidos corporales, carne putrefacta, conforman un universo que adquiere nuevos significados en el contexto del México actual, donde la violencia extrema ha llenado la cotidianidad de las más diversas y terroríficas imágenes de la muerte. Dice Amira Nyoren en su nota introductoria: “El colectivo SEMEFO reapropia la cruenta violencia en tanto materia prima para un arte subversivo. Entre el thrash metal salido de un psiquiátrico abandonando, las performances con flagelaciones, cabezas desmembradas de caballos, ropa y sangre perteneciente a los muertos anónimos; hasta el silencio que provocan unas gotas de agua de la morgue. Su trabajo nos muestra una parte crítica del arte, el “arte que apesta” y se descompone, un arte que grita por los cadáveres”.

Presentamos una muestra fotográfica de Pedro Alan Ciares (un conjunto de imágenes realizadas en formato de 35mm), que son un recorrido por distintos paisajes, desde el mar, el bosque y la urbe, donde llama la atención la sutileza con que logra imprimir el enigma de los atardeceres y de los caminos; las vías de ferrocarril, las terracerías, las carreteras. Dice Ciares de su propio trabajo: “El tiempo pasa, ese momento se extingue y de alguna manera logramos resucitarlo a través de la fotografía. Es como si hubiésemos descubierto la manera de imprimir recuerdos”.

En el imaginario de Alejandra Trazos las formas relucen, levantan rostros, selvas y ciudades, pero es el espíritu el que centellea; en sus dibujos conocemos la fisionomía de un espacio pero nos queda también el registro de su contextura anímica: la ciudad triste, el campo solitario, el café reflexivo. Nerviosa, con una intensidad de llamarada obsesiva, la mano de Alejandra ha logrado replegar a las formas para que no se extravíen: para no dejarlas retornar a la nada que eran.

El cine de Felipe Cazals se basa en una estética que busca mostrar de manera crítica problemáticas sociales del México del último medio siglo. “Cazals no hace panfletos: ejerce la denuncia”, nos dice Luis Fernando Gallardo en el presente ensayo donde hace una valoración general de la producción cinematográfica de uno de los grandes cineastas mexicanos. En cintas como “Canoa”, “El Apando” o “Bajo la metralla”, la exposición de una realidad cruda es la base para el desarrollo de un cine de gran ejecución artística y de alto valor documental.

El presente ensayo recorre la trayectoria de Tony Scott, célebre director de Hollywood quien un 19 de agosto del 2012, a los 68 años de edad, se lanzó del Puente Vincent Thomas de Los Ángeles, poniendo fin a una carrera de treinta años de éxitos. ¿Qué hace que un hombre con la vida aparentemente resuelta decida acabar con ella?

La tarde del pasado 19 de septiembre, el fotógrafo Rodrigo Rodríguez salió a las calles de la ciudad de México a recoger imágenes del sismo. Sus fotografías representan uno de los acervos más sorprendentes del desastre, pero también de la oleada de solidaridad y participación ciudadana, que hoy representa la vanguardia en la construcción de una nueva ciudad.

El crítico de cine Luis Gallardo nos habla de la enorme dificultad de llevar a la pantalla grande la obra de Juan Rulfo, lo que se ha visto en los fracasos de las dos adaptaciones de “Pedro Páramo”, la de Carlos Velo de 1967, y la de José Bolaños de 1978. En ambas cintas (además de no ser muy fieles a la novela) no logra sentirse el hondo lenguaje poético de Rulfo, y las muchas características linguísticas, textuales, que hacen grande la obra del narrador jaliscience.

En su obra, Mauricio Alejo juega con los objetos cotidianos que inundan nuestro entorno doméstico y les da un nuevo significado. Estos desplazamientos de la “función” original de las cosas, nos hace partícipes de un ambiente alucinante: una cama con un agujero en el centro, un conjunto de pinzas que se yerguen como un animal extraño, un libro fungiendo como base de la esquina de un muro, nos recuerdan que el universo de sentido hasta de las cosas más ordinarias es interminable cuando son tocados por la imaginación creativa.

A partir de los experimentos con electricidad con fines clínicos que hizo el doctor Guillaume Duchenne de Boulogne en la segunda mitad del siglo XIX, Miriam Puente realiza la presente “Serie técnica Duchenne”. En ella se plasma con originalidad la geografía estética que Duchenne trazó en sus experimentos, que al ser registrados en series fotográficas, abrió nuevos caminos en la relación entre ciencia y arte.

A partir de series como “Cerrado los lunes” y “Full Frame”, que abordan la experiencia del espectador en los museos, el fotógrafo Nicola Lorusso reflexiona en torno a cuestiones fundamentales de la fotografía como el tiempo, el espacio y los límites entre la realidad y la ficción. También ofrece su punto de vista sobre el panorama de la fotografía actual en México y sobre la compleja tarea de hacer fotografía en tiempos de la saturación de la imagen.

La presente serie fotográfica llamada Natura, es un cuestionamiento a los grandes motores de la modernidad: los conceptos de civilización y progreso. Por medio de imágenes de zoológicos y de la obra “Histora Natural” de Buffon, Azahara Gómez relativiza la función de estos extraños centros de reclusión de la vida salvaje, donde se simula la naturaleza, para dar la apariencia de “una nueva adaptación de vida”. Esta naturaleza cautiva entre los altos edificios, es una decoración de las grandes ciudades y una forma de consumo.

La Madriguera Gráfica es el nombre de este colectivo que busca llevar la pintura a la calle con un propósito muy específico: crear un puente entre el arte y la vida cotidiana de la ciudad. Mediante estas intervenciones es posible sacar la producción artística de los museos pero también crear un diálogo directo entre el arte y la sociedad.